La No Critica de Zodiac

Por fin encuentro un ratillo para escribir una entrada en este mi abandonado blog de/sobre cine.
¿Que os puedo decir de Zodiac?
Pues que han sido los 7 Euros peor invertidos de mis últimas visitas al patio de butacas de los madriles. Y lo peor es que... no es porque la peli no sea buena (jeje porque todavía no lo sé) sino porque se nos ocurrió ir a una de esas mal llamadas "Sesiones Golfas". Total, que la peli no empezaba hasta las 1.20 de la madrugada y no acabó...hasta las 4!!!!!
Os podréis imaginar como estaba yo un viernes a esas horas empezando a ver una película que duraría 2 horas y media, después de toda una semana trabajando a destajo. De lo que recuerdo de "Zodiac", sobretodo al principio, os diré que pintaba muy muy bien, y que a pesar de que yo me haya dormido, no es una película para nada aburrida. Trama policíaca, basada en una historia real de un asesino en serie, con un guión bastante currado, y unos personajes muy completos gracias también a un buen reparto.
También os diré, que si no me dormí antes fue porque trataba de impedir por todos los medios que mis párpados se cerrasen, sobretodo por contemplar en todo su esplendor a mi amadísimo y atractivísimo Robert Downey Jr ayyyyysss
Pero después caí sin remedio en un sueño intermitente (a ratitos jiji). Lo cual me creaba una impotencia terrible porque no soy de las que se duermen facilmente viendo cine, sino no sería una cinéfila...
En cuanto pueda volveré a verla, pero en plenitud de facultades porque creo que esta peli merece que pierda de nuevo otras 2 horas y media de mi hasta ahora estresante vida en la capital.

La vida futura

LA VIDA FUTURA (THINGS TO COME)

AYY!! Con tanto estrés por causa de las oposiciones (es la época, supongo) me pasa casi como a Cinéfila, no puedor, no puedor!

En todo caso aquí va una recomendación en dvd: Things to come, la traducción al castellano reza en el título... es una producción inglesa de unos 90 minutos del año 1936. Todo un clásico y una rareza junto como Metropolis (peli alemana de 1927 dirigida por Fritz Lang) de la ciencia-ficción.

La película se estructura en cuatro partes diferenciadas que nos mostrarán el devenir del progreso de la humanidad, desde la época actual (1940) hasta una sociedad utópica situada en el 2036 después de una larga y cruenta guerra. Todo transcurre en una ciudad simbólica, que nos servirá como marco referencial: Everytown, digamos que el referente real sería Londres. Pues la película está marcada por un carácter bélico muy fuerte fruto de la época, no olvidemos que estamos en los años previos al estallido de la Segunda Guerra Mundial, y se nota, se nota mucho.

Ficha Técnica
Director: William Cameron Menzies

Productor: Alexander Korda para London Film

Guión: H. G. Wells, basado en su novela The Shape of Things to Come

Fotografía: Georges Périna

Música: Arthur Blis

Director Artístico: Vincent Korda

Intérpretes: Raymond Massey (John Cabal/Oswald Cabal), Edward Chapman (Pippa Pasworthy/Raymond Passworthy), Ralph Richardson (El Jefe), Maurice Bradell (Dr. Harding), Margaretta Scott (Roxana/Rowena), Cedric Hardwicke (Theotocopulos), Sophie Stewart (Señora Cabal), Derrick De Marney, Ann Todd, Pearl Argyle, Terry-Thomas…

Nacionalidad y año: UK 1936

Duración y datos técnicos: aprox. 90 min. B/N

Se comenta que H. G. Wells, uno de los máximos precursores de la literatura de ciencia-ficción tal como hoy la conocemos, tuvo prácticamente las manos libres para abordar esta película, basada en una propia novela anterior: The Shape of Things to Come. No es de extrañar que el escritor aprovechara la plataforma que se había ganado a pulso para imprimir en ella su discurso social, basado en el socialismo utópico. Podríamos decir, además, que fue un caso en que la dualidad autor de la novela/guionista no provocó grandes conflictos con el director del film, sino que el tándem fue bueno.
Para la dirección se contó con el debutante William Cameron Menzies, responsable de otro recordado clásico de la ciencia-ficción con un tono muy diferente, Invaders From Mars, de 1953. Menzies, que provenía del campo de la dirección artística, puso precisamente una especial atención en los aspectos artísticos y técnicos de la película, como se puede comprobar con el espectacular resultado final.

La Vida Futura es, primero de todo, un canto al progreso de la humanidad y un fuerte alegato antibelicista estructurado en cuatro partes diferenciadas. Casi un siglo transcurre ante nuestros ojos a lo largo de la hora y media que dura la película. Olvidémonos entonces de otro protagonista que no sea la propia humanidad en sí, representada por el pueblo de Everytown. Aunque el hilo conductor lo lleve John Cabal (Raymond Massey) y uno de sus descendientes, interpretado por el mismo actor (muchos lo recodarán por su interpretación de “clon de Boris Karloff” en Arsénico por compasión, gran película sí, gran película... y un Gary Grant espléndido), lo que nos interesa en la película es el progreso del ser humano como tal. Para reforzarlo, en ningún momento se nos explica quiénes son los enemigos en la contienda -aunque quede bastante claro- y Everytown, pese a ser Inglaterra, es un pueblo imaginario.

La primera parte de la película, contra lo que cabria esperar en una película futurista, es la más lograda a nivel visual. Los planos de la ciudad al borde de la guerra, picados, contrapicados y aberrados, en los que vemos el tranquilo y rutinario discurrir de la ciudad, literalmente empapelada y repleta de Hombres-anuncio y periódicos que advierten la inminente llegada de la guerra en grandes tipografías, son soberbias y dejan huella en el espectador.

Más adelante, y una vez empezada la inevitable contienda armada que Wells ciertamente profetizó ante las burlas de sus compañeros, la fotografía y los encuadres se cargan, aun más si cabe, de simbolismo. Lo primero que cae destruido ante las bombas es el cine de la ciudad, todo un símbolo del progreso. También la brillante escena en la que el niño desfila imitando a su padre recientemente movilizado, mientras las siluetas de los soldados de verdad ocupan amenazadoramente toda la pantalla, por detrás del mismo, aparte de contener una gran carga metafórica, ejemplifica de nuevo lo que comentamos. Nos prepara para contemplar las cada vez más vibrantes imágenes cargadas de fuerza, casi expresionistas, y hacia el final, muy influenciadas por el vanguardismo europeo. No olvidemos que Vincent Korda y László Moholy-Nagy son miembros de la Bauhaus.

Así llegamos, sin duda, al momento más interesante del film, el único en el que conviven a la vez dos tipos de sociedades, la postapocalíptica y atrasada Everytown, que ha retrocedido hasta la barbarie, y la avanzada y civilizada “Comunicación Mundial”, que llega representada por Cabal en un moderno avión cuando en ésta aún se arrastran los antiguos coches con caballos y se producen batallas con otros clanes por conseguir un poco de carbón.

A partir de este momento la película, sin decaer en absoluto, se inclina más por la utopía social y nos deja frases del calibre de: "Somos la hermandad de la eficiencia. La masonería de la ciencia. Somos el baluarte de la civilización, cuando todo ha fracasado". O ya más abiertamente políticas como: "Nosotros nos dirigimos solos", o, “¡pobre patrón, con sus banderas y sus locuras!” , todas ellas pronunciadas por Cabal en su cruzada por el progreso. Así pues, John Cabal parece ser el superhombre del futuro idealizado por Wells, para el cual han caído todos los prejuicios mientras conduce al hombre hacia cotas más elevadas.

Es hacia el final de la cinta cuando podremos ver la parte más esperada de la película, aunque no por ello la más interesante: La Everytown del futuro, con sus gentes de vida armónica, con sus impolutos muebles transparentes y sus eficientes rampas, tubos y pasarelas, que han dejado huella en la historia del cine. En ella, la humanidad aún se planteará nuevos y definitivos debates sobre su progreso…

Esta maravilla cinematográfica es un ejemplo de planificación, montaje y fotografía impecable. A su vez, se trata de una brillante especulación futurista, que pese a verse superada por el propio paso de los años, mantiene muchos de sus postulados vigentes. A menudo injustamente olvidada, se trata junto a Metropolis (Fritz Lang) de una obra imprescindible para entender la ciencia ficción actual.

ANÉCDOTAS:

Theotocopulos, personaje que aparece hacia el final de la película, fue interpretado en un principio por Ernest Thesiger (Dr.Pretorius en La novia de Frankenstein de James Whale) con el que se rodaron las escenas. Fue sustituido por Cedrick Hardwicke, ya que su actuación no gustó a Wells. Thesiger, desconociendo el hecho, acudió al estreno sin saber la sorpresa mayúscula que le esperaba.

La película muestra un helicóptero varios años antes que Igor Sikorsky desarrollara el primer modelo real.

El hijo de H.G. Wells, Frank, trabajó en la película como ayudante del director artístico.

En su momento se llegó a estrenar una versión de 130 minutos. Finalmente el metraje se rebajó a 113, aunque existen versiones de 96 y 100 minutos. La versión en dvd que ha sacado al mercado Manga films es de 90 min.

Títulos de rodaje: The Hundred Years to Come / The Shape of Things to Come / Whither Mankind.

Tuvo una especie de muy, pero que muy 'libre' remake: El mundo que viene (The Shape of Things to Come), del año 1979, de George McCowan.

PAUSA

A todos los que os pasáis por este blog de vez en cuando:

Cinéfila por compasión está ligeramente abandonado ultimamente por culpa de las diversas ocupaciones de todos sus colaboradores pero no lo hemos dejado, el blog sigue vivito y coleando.

Una de las cosas que más siento es no poder comentar en vuestros blogs con tanta frecuencia como antes, pero desde el trabajo os sigo leyendo, siempre que los jefes no me vigilan, jeje!!

Yo ahora mismo no tengo ordenador y tampoco mucho tiempo para pensar en temas sobre los que escribir. Pero esto es temporal. Trataré de volver con fuerzas renovadas, espero que pronto.

Pues eso, que el blog sigue...

;-)

300

300

Contexto histórico (versión breve y rapidita)

Para que nos situemos todos históricamente. Siglo V a.C., en plena Segunda Guerra Médica (Medos= Persas). Grecia continental se enfrenta al monstruo persa. Se enfrentan dos potencias, dos formas de gobierno, dos formas de vida, dos culturas. Los tiranos persas, de origen divino, soberanos despóticos, sometedores de pueblos... y los griegos. En el caso de Grecia, no estaba unificada, no existía en un principio ese sentimiento de unidad panhelénica, frente a un enemigo común. La batalla de las Termópilas ayudó sin duda a dejar a un lado las trifulcas y rivalidades internas para unirse, al menos un poco, frente a un mal común y mayor, mucho mayor. Para que nos entendamos, los griegos no tenían muy buena impresión unos de otros: para los atenienses los espartanos eran unos brutos y obtusos que solo pensaban y vivían para la guerra; para los espartanos los atenienses eran unos debiluchos, filósofos, y que, por ende, se pasaban el día en la Asamblea discutiendo y solucionando pleitos... pero en definitiva se dedicaban a asuntos, como decirlo, ‘poco masculinos’. Y hablo únicamente de Atenas y Esparta porque eran las dos polis griegas más poderosas y que articulaban a su alrededor dos bloques enfrentados. Cada una de ellas contaba con X ciudades que las apoyaban y secundaban en sus propósitos.
Batallas más destacadas: 490 la Batalla de Maratón (ganaron los griegos, aunque les costó); agosto 480 la Batalla de las Termópilas. Aquí unos 14000 hombres del Peloponeso- griegos y libres, entre ellos 300 espartanos bajo el mando de su rey, Leónidas hicieron frente a la gigantesca flota persa que pretendía someter la Hélade (o sease, Grecia continental). Por supuesto, a pesar de los grandes esfuerzos los griegos perecieron ante el ingente ejército del persa Jerjes. La respuesta griega no se hizo esperar. En septiembre de 480 los griegos con la flota dirigida por el ateniense Temístocles se enfrenta de nuevo a las hordas persas en Salamina. Ganan los griegos y la región del Ática queda a salvo, por el momento. Jerjes se retira con su ejército.

Supongo que la batalla de Salamina habría quedado espectacular en la pantalla grande si se hubiesen animado a ser totalmente fieles a la Historia. Aunque también es cierto que resultaría demasiado larga y que ella solita daba para una peli estupenda... En fin, Hollywood es Hollywood!

Los griegos entonces tienen tiempo para reorganizarse y prepararse para la batalla definitiva: un año después, en Platea (agosto del 479). La escena se desarrolla en tierras de Beocia y un poco antes en Jonia (Asia Menor, actual Turquía, Israel y Palestina). Las ciudades griegas -jonias- de Asia Menor se sublevan contra parte de la flota persa establecida en la isla de Samos. Con muchos problemas internos entre proatenienses, proespartanos y propersas (como la ciudad griega de Tebas) finalmente en Platea se libra la batalla definitoria del nuevo status quo heleno y también en el Mediterráneo. Los griegos del continente vencen a los persas y las polis jonias recuperan también su libertad e independencia del imperio persa. Son precisamente Platea, Atenas y Megara las ciudades que proponen a la Liga Helénica el escenario ideal. Los espartanos ven la oportunidad del ataque y con un ejército de casi 100.000 hombres y bajo la dirección de Pausanias, se enfrentan al temible ejército persa. Fue una abultada victoria la griega. Se recuperaron las rutas septentrionales de entrada en la Grecia continental y tras la toma de Sestos en 478 se cierra, por el momento, este periodo de luchas entre persas y griegos.

II. Los 300 espartanos o El León de Esparta (1962)

300 no es la primera primera película que trata la batalla de las Termópilas. Ya dicen que “no hay nada nuevo bajo el sol” y así es. Citaré una anterior, sobre todo porque mi padre me ha hablado tantas veces de ella que no me puedo resistir.

LOS 300 ESPARTANOS
EE.UU., 1962
Título original: The 300 Spartans
Dirección: Rudolph Maté
Guión: George St. George
Producción: Rudolph Maté, George St. George
Música: Manos Hadjidakis
Fotografía: Geoffrey Unsworth

Reparto: Richard Egan (King Leonidas); Ralph Richardson (Temistocles); Diane Baker (Ellas); Barry Coe (Phylon); David Farrar (Jerjes); Donald Houston (Hydarnes); Anna Synodinou (Gorgo); Kieron Moore (Ephialtes); John Crawford (Agathon); Robert Brown (Pentheus); Anne Wakefield (Artemisa); Ivan Triesault (Demaratus); Charles Fawcett (Megistias); Michalis Nikolinakos (Myron)

Resulta que esta peli mi padre la vio cuando era pequeño en el cine cuando existía eso de las sesiones dobles y las entradas constaban unas pocas pesetas (que no euros).
Epopeya épica que narra una particular visión del mundo griego antiguo, poblada de superhombres valientes y decididos ante los que cualquier mortal debía doblar la rodilla. Aquellos superhombres sólo podían ser vencidos en combate desigual y a traición, y con todo, el morir matando era su lema hasta el final. Digamos que, en verdad, aquellos griegos eran una pandilla bastante peligrosa de camorristas fulleros en continua batalla entre ellos: cuando no eran los atenienses contra los espartanos eran los tebanos contra los atenienses, o los corintios contra los atenientes, o los atenienses contra todos o, más habitualmente, todos contra todos. Ni siquiera los míticos espartanos eran aquellos superguerreros invencibles, grandes luchadores desde luego, quizá los mejores de aquella Grecia, posiblemente, pero no invencibles, y eran derrotados regularmente aunque no por ello con menos gloria.
En cualquier caso la realidad no puede, no debe, echar por tierra un buen mito, y menos aún una buena historia, y la de los trescientos espartanos parando los pies a un ejercito que le superaba por decenas de miles de hombres es digno de pasar a la historia y ser contando una y otra vez, incansablemente.
Bien es cierto que los espartanos contaban con algunas ventajas estratégicas bastante importantes. Por lo pronto los trescientos eran ellos, pero los defensores del paso de las Termópilas ascendían a una cifra que rondaba entre los diez mil y los catorce mil efectivos, por otro, el propio paso era una bicoca para los defensores, estrecho y escarpado se ajustaba a la perfección a la típica formación en falange, esto es, una larga fila de hoplitas (así se llamaban los soldaditos griegos) perfectamente acorazados y mejor adiestrados (ya digo que estaban todo el día zurrándose los unos con los otros, así que todos ellos, no sólo los espartanos, sabían bastante del arte de masacrar).
Un escenario tan reducido dejaba fuera a caballería y carros de guerra, imposibilitados de maniobrar, y las tropas persas lo eran todo menos persas. Como el de los grandes imperios el ejército invasor era una amalgama de levas de los pueblos ya conquistados en los que sólo la alta oficialía tenía algo que ver con los conquistadores.
Nos encontramos pues con un paso fácil de defender, cubierto por tropas tremendamente competentes, equipadas con lo mejor de la tecnología guerrera de la época y motivadas hasta la muerte. Ante ellos, un ejército entre veinte y cuarenta veces más numeroso pero discretamente equipado, adiestrado a la carrera, en absoluto motivado y como se demostró, dirigido con no mucha inteligencia.
El resultado fue la matanza de persas (dejémoslo así para no liar más la cosa) que durante cinco días el cuerpo expedicionario griego organizó con las sucesivas oleadas que los incrédulos generales de Jerjes I lanzaban a golpe de látigo contra la muralla de bronce. Veinte mil dicen las crónicas que cayeron antes de que un traidor (faltaría más) indicara a los persas un paso alternativo por el que copar la defensa griega. Con todo, podían haber salido todos de allí porque los persas fueron muy poco discretos a la hora de rodearlos, y tuvieron tiempo de sobra para embarcar a la mayor parte de las tropas. Se quedaron los trescientos espartanos y setecientos de Tespia. Los espartanos por vergüenza torera, Leónidas, uno de sus dos reyes, se había comprometido a detener con el ejército espartano al completo el avance persa en las Termópilas, pero el consejo de ancianos de Esparta mareó la perdiz, y Leónidas tuvo que partir contando únicamente con los trescientos efectivos de la guardia real. Los de Tespia se quedaron porque... si. Lo demás es leyenda. Os basta con saber que desde la Antigüedad existía en el paso de las Termópilas una especie de placa conmemorativa de la batalla (realmente según dicen algunos escritores griegos, sí, que escribían en griego antiguo y que una servidora ha traducido en más de una ocasión, pues digo, que más bien parece que era una roca con una inscripción a modo de monumento)

III. 300

Después de este revival vamos con la nueva versión. Personalmente creo que cumple su función: entretener. Eso sí, si no te gustan las películas de tema bélico, con luchas, sangre y miembros descuartizados, mejor no la veas. No es por nada, pero la mitad de la película es la lucha encarnizada entre los espartanos y los persas... Creo también que el director al montar y editar las escenas de lucha se ha pasado al jugar demasiado con el efecto movimiento normal/movimiento ralentizado. Puede que eso ayude a que el espectador no sienta tan reales las escenas de lucha, pero le resta realismo y remarca mucho más la sensación de estar ante un comic o un videojuego...

PERSONAJES:

Leónidas GERARD BUTLER
Gorgo LENA HEADEY
Theron DOMINIC WEST
Dilios DAVID WENHAM
Capitán VINCENT REGAN
Stelios MICHAEL FASSBENDER
Astinos TOM WISDOM
Daxos ANDREW PLEAVIN
Ephialtes ANDREW TIERNAN
Jerjes RODRIGO SANTORO
Pleistarchos GIOVANI ANTONIO CIMMINO
Loyalist STEPHEN McHATTIE
Éforo 1 GREG KRAMER
Éforo 2 ALEX IVANOVICI
Chica del oráculo KELLY CRAIG
Leónidas 7/8 años ELI SNYDER
Leónidas 15 años TYLER NEITZEL
Padre de Leónidas TIM CONNOLLY
Madre de Leónidas MARIE-JULIE RIVEST
Chico luchador (12 años) SÉBASTIAN ST
Mensajero PETER MENSAH
Partisano ARTHUR HOLDEN
Consejero (hombre mayor) MICHAEL SINELNIKOFF
Consejero JOHN DUNN-HILL

EQUIPO TÉCNICO:

Director ZACK SNYDER
Guión ZACK SNYDER, KURT JOHNSTAD y MICHAEL B. GORDON
Basada en la Novela Gráfica de FRANK MILLER y LYNN VARLEY
Productores GIANNI NUNNARI, MARK CANTON, BERNIE GOLDMANN y JEFFREY SILVER
Productores Ejecutivos DEBORAH SNYDER, FRANK MILLER, CRAIG J. FLORES, THOMAS TULL, WILLIAM FAY yBENJAMIN WAISBREN
Director de Fotografía LARRY FONG
Diseñador de Producción JAMES BISSELL
Montaje WILLIAM HOY, A.C.E.
Supervisor de Efectos Visuales CHRIS WATTS
Música TYLER BATES
Vestuario MICHAEL WILKINSON
Co-Productores STEVE BARNETT y JOSETTE PERROTTA

Y es que esto último tiene que tenerlo en cuenta el espectador que va a ver la película. El formato es fiel al comic y la estética es muy marcada: juego de luces y sombras, juego con los colores: ausencia del rojo y el amarillo en algunas escenas y predominio de los colores fríos, gama de azules, verdes y grises, para marcar más lo siniestro; contraste entre los espartanos cuya nota de color se reduce al manto rojo que los distingue de sus enemigos o un Jerjes rodeado de tonos dorados que intentan reflejar su ‘divinidad’, etc.
Si habeis visto Sin City sigue ese tipo de escenario muy marcado. Pero no os preocupeis, que hay de todo. Abusan un poco del fondo croma donde grabaron la mayor parte de las escenas, pero bueno, en general están bastante logrados los escenarios. Uno de los momentos en que falla es durante el hundimiento con el temporal ante la costa de las naves persas... ahí sí que es muy evidente la animación por ordenador. Bueno, hay otros momentos: y es que el clonado de los efectivos persas es también bastante exótico, o de los griegos en la escena final... casi parecen ordas de orcos al estilo tolkiano, así como algún que otro monstruo persa que bien podía ser un Uruk-hai o cualquier ogro persiguiendo a Frodo... digo, a Leónidas.

Otra cosa, sí, ya he dicho que los espartanos eran bastante burros, vamos, animalotes. Y sí, como bien se dice en la película, los niños eran separados de sus madres muy pronto y sometidos a un entrenamiento brutal. Todo espartano era guerrero y su misión fundamental en la vida (así los programaban desde su más tierna infancia) morir luchando. Eso era el mayor de los honores y las glorias. Nuestros protagonistas, desde luego lo consiguieron... con creces. Aún hablamos de ellos y eso pasó en el año 480 a. de C. No lo pudieron haber hecho mejor!!

La peli tiene algunos pequeños problemillas. Vamos a ver, los éforos, sí esos tan feos que salen al principio y que consultan el oráculo ... de Apolo, faltaba más! Y por cierto, el propio Leónidas dice que la pobre chiquita estaba borracha... bueno, es una buena explicación! Se sabe que sí, que las sibilas y los oráculos en la antigüedad alcanzaban ese estado de éxtasis con el que podían transmitir mensajes del dios de turno (Crédulos! En muchas ocasiones, los mensajes estaban pactados o habían recibido una suculenta propuesta para dar unas determinadas directrices... que os pensais, el chantaje, el tráfico de influencias y la prevaricación no son exclusivos de Marbella, son prácticas tan antiguas como el hombre). Total, que los colocones que se agarraban eran con alcoholes y otras sustancias más o menos alucinógenas. Se sabe por estudios arqueológicos que algunos santuarios de oráculos se establecían en grutas o cuevas naturales donde se producían emanaciones de gases que les provocaban ese estado de flipe.

Además, los éforos no eran así exactamente. Eran los magistrados más poderosos de Esparta, eso sí. Los reyes de Esparta y la asamblea de ciudadanos tenían que someter sus propuestas o peticiones al consejo de éforos... ellos tenían la última palabra en cualquier decisión política y también en asuntos religiosos. Ni tan asquerosos ni tan raritos...

Vamos ahora con Jerjes I, rey de Persia. Su aparición en escena es bastante hilarante... si habéis ido al cine ya, seguramente habréis escuchado carcajadas generalizadas... y es que es para tirarle de las orejas al director. Pobre Jerjes!! Debe estar retorciéndose en su tumba!! La primera impresión al verlo en la pantalla es preguntarse: ¿me he equivocado de película? ¿estoy en los carnavales canarios? En fin, la sensación que te transmite es que estás ante la reina de las drakqueens en los carnavales de Las Palmas... decepcionante!! El personaje parece un travesti y se da unos aires excesivamente afeminados... vale que estamos ante un tío que se cree un dios viviente y que gobierna sobre un vasto imperio y un monton de pueblos... pero, de verdad, los reyes persas eran muchas cosas pero esto es salirse de madre. No me extraña nada que algunos bufen...

Y he dejado para el final a Efialtes, el traidor espartano. Cuando uno lo ve por primera vez, piensa, ¡coño! Gollum buscando el anillo... Y si tenemos en cuenta que Dilios el espartano que cuenta la historia y que aparece al final de la película dirigiendo el gran ejército griego era Faramir en El Señor de los Anillos, pues, claro uno aún alucina más. Pero no nos asustemos... Efialtes es el típico traidor necesario en cualquier historia épica. Conoce un paso escondido que es el punto débil de los espartanos. En fin, es rebuscado, lo sé! Si tenemos en cuenta que los griegos eran poquitos en comparación con los persas y que tuvieron que situarse en las Termópilas que era el único lugar donde la inferioridad numérica no resultaba un obstáculo tan grande, pues que hubiese un caminito de pastores por la retaguardia, tampoco era algo que les preocupase demasiado.

Sin embargo, Efialtes tiene un papel crucial, se vende a los persas para conseguir algo que entre los griegos nunca iba a tener: igualdad como hombre. Efialtes es deforme... y era una práctica habitual en la antigüedad que los niños deformes cuando iban a ser reconocidos por el padre fuesen arrojados al vacío desde la acrópolis de la ciudad. Se hacía en Atenas, se hacía en Esparta y en todas las polis... supongo que podemos considerarlo una muestra salvaje de eugenesia. Y si Darwin nos da permiso, una selección de la especie, no natural, pero en aquel momento efectiva y en uso. Los individuos con deformidades eran mal vistos, se les consideraba inferiores y en general no eran ciudadanos útiles... así que en su sistema moral y de valores, mejor eliminarlos antes de que alcancen la edad adulta. Pensad, por ejemplo, en un caso mitológico. Hera, esposa de Zeus, muy cabreada con su maridito porque no hacía más que ponerle los cuernos, engendra por sí misma (era una diosa y podía!) a Hefesto (o Vulcano para los romanos). Como el pobre Hefesto le salió deforme, su mamá lo arroja desde el Monte Olimpo para matarlo. Bueno, el caso es que se salva y se convierte en el dios de fuego y la forja... y, para más inri, lo casan con Venus que le pone los cuernos con cualquiera, pero especialmente con el dios de la guerra, Marte. Que es esto sino la representación en el imaginario grecorromano de una ancestral práctica, recordada y aprendida generación tras generación en forma de fábula (o mito).

Y creo que poco más. Sí, que hay escenas en los campos de trigo que recuerdan a Gladiator. O que Leónidas, el actor Gerard Butler, estoy segura de que muchos ya lo habeis visto en la tele... aunque sin barba, sin pelo casco ni trencita. Hace poco han puesto en la televisión una miniserie en dos capítulos titulada Atila (rey de los Hunos), pues, sí, Atila es Butler, con pelo largo y en trenza o suelto y con unos ojos claros espectaculares...

Una última cosa, hay algo que podéis tener en cuenta a la hora de ver estas pelis. En aquellos tiempos las sociedades eran muy combativas, por motivos varios: poder político, adquisición de esclavos, de territorio, de campos de cultivo, de agua, de rutas comerciales (un ejemplo fue la destrucción de Troya en varias ocasiones, era y es un punto estratégico), poder estratégico y militar, etc. Y nadie era ni tan bueno ni tan malo. Dicho de otro modo, históricamente hablando, los persas podían ser unos animales, pero los griegos tampoco eran unos angelitos. Digamos, que eran más parecidos de lo que cabría esperar ... Sin embargo, pensad también que el hecho de que Grecia luchase por mantener su libertad frente a los persas hizo que nosotros seamos como somos... somos así, somos europeos entre otros muchos motivos porque desde antiguo hemos luchado por mantener nuestras identidades frente a invasores, sobre todo, frente a gentes de otras culturas y religiones. Griegos y romanos estaban culturalmente más próximos por lo que las luchas tenían otras connotaciones. Pero luchas contra pueblos asiáticos (hunos), contra los bárbaros germanos (godos), contra los árabes en la Península Ibérica... han marcado el carácter europeo.

Estreno y trailer de Diario de un escándalo

Este viernes se estrena "Diario de un escándalo", película por la que las actrices Judi Dench y Cate Blanchett han estado nominadas a un Oscar este año.

Por raro que parezca, hasta hace unos días no había reparado en ella. Ni me había dado cuenta que esta era la película por la que una vez más la gran dama de la escena Judi Dench era nominada a la dorada estatuilla. Puede que ultimamente tenga poco tiempo para pensar en esto del cine, pero tengo la sensación de que tampoco es que se le haya dado mucha publicidad.

Además de destacar en el apartado interpretativo Diario de un escándalo tiene un argumento que parece interesante.

"Barbara (Judi Dench), una solitaria y veterana profesora de un colegio público inglés entabla amistad con otra joven maestra, Sheba(Cate Blanchett) casada y con un hijo. En un principio todo parece ir bien para ambas y se convierten en muy buenas amigas. Pero todo cambiará cuando la joven comience una intensa y prohibida relación con un estudiante. A partir de ese momento Barbara chantajeará a Sheba, amenazándola con revelar su secreto..."

La peli está basada en el libro de Zoe Heller , Notes on a scandal

Si veis el trailer comprobaréis que las 2 actrices hacen un auténtico papelón, sobretodo Judi Dench, a la que le toca el rol más complicado.

Golfus de Roma (I)

Algo imaginativo, algo espantoso, algo para todos... ¡una comedia!

Olvidad por un momento las clásicas pelis de romanos y griegos. Ya hablaré de 300 dentro de unos días (se estrena el viernes 23 de marzo en cines en España). No penséis en historias épicas, mitológicas, heroicas y grandiosas superproducciones... de antes y de ahora llevadas al máximo por obra y gracia de los efectos especiales.

Os presento una película diferente. Puede que más modesta en cuanto a decorados y atrezzo, sin grandes efectos especiales... pero no le hace falta.

Así comienza esta comedia al más puro estilo Broadway y con todos los elementos característicos de una comedia romana... vamos, que ni que la hubiese escrito Plauto o Terencio. Bueno, con lo gamberra que es, digamos que sería más propia de Plauto.

Una breve sinopsis para que os situéis: “Cuando un astuto esclavo, mentiroso, perezoso, ocurrente y tramposo descubre que el hijo de su amo está enamorado de la vecina, una cortesana virgen, se compromete a ayudarla conquistarla a cambio de su libertad. Pero por el camino el romance se ve obstaculizado por asombrosas sorpresas, ingeniosos disfraces y una alocada carrera de cuádrigas”

La primera advertencia sobre esta peli: el título. En castellano ‘Golfus de Roma’, no está mal, recoge la esencia de la historia. En inglés, algo más largo y expeditivo: ‘A funny thing happened on the way to the Forum’. Es una coproducción GB-USA, del año 1966. Y curiosamente mezcla elementos musicales dignos de ser escuchados con atención. El dvd permite escuchar las canciones en castellano, no están mal. Se las han currado bastante tanto en traducción como en interpretación. Pero si de verdad queréis oir algo bueno, la versión original es lo mejor.

El elenco de actores cuenta entre otros con el enorme talento de Zero Mostel (el protagonista, el liante, gamberro, tramposo y ocurrente esclavo Pseudolus), ganador de un premio Tony, además de Phil Silvers, Jack Gilford (Cocoon), Buster Keaton y Michael Crawford (El fantasma de la Ópera). Destaca también un Buster Keaton ya mayor que sin apenas diálogos hace lo que mejor sabe... recuerda un poco a sus primeras películas de cine mudo. El personaje de Erronius, túnica y sombrero campesino, es la última interpretación de Buster Keaton que legó un personaje crédulo y supersticioso, profundamente devoto de los dioses, desquiciado por la pérdida de sus hijos, pero decidido a encontrarlos como sea. Ya viejo, vuelve a casa cansado, escéptico y con una acentuada miopía que acaba de dibujar su grotesca pero entrañable personalidad, si bien un “romano miope” salía ya en El rapto de las sabinas de Richard Potter, 1962. El referente obligado del personaje de Hanno de Poenulus (comedia del latino Plauto) se limita a la situación argumental. La figura de rostro impasible resistente a la fatiga, tenaz hasta lo imposible es el legado romano del actor.

Con entrañables e inteligentes canciones como “Hoy de comedia va... con júbilo y cantar” o “Amable, bella y adorable” este loco musical de Stepehn Sondheim sobre un escandaloso grupo de romanos de la Antigüedad es una vibrante, burlona, ocurrente y elegante comedia, un poco subida de tono, sobre el lado sórdido de la Roma clásica bajo el punto de vista de una mente moderna. Ganadora de un Oscar a la mejor banda sonora adaptada en 1966.

Creo que por ahora tenéis bastante. Seguiré en el próximo capítulo. Y preparaos que amenazo con ser muy crítica con 300, así que estad atentos!!

Dylan contra "Factory Girl"

Factory girl, la última película del director George Hickenlooper, recrea el original y ácido ambiente creado en los años sesenta en el creativo taller The Factory del esperténtico Andy Warhol (Guy Pearce). La historia gira entorno a la trágica muerte por sobredosis de la musa del artista en aquellos años, Edie Sedgwick (Sienna Miller).

El film, que ya ha sido estrenado en EEUU, ha tenido un recibimiento no exento de polémica ya que los abogados del músico Bob Dylan han interpuesto una demanda contra ella al considerar que difama al cantautor norteamericano. Lo cierto es que uno de los personajes, llamado Billy Quinn (Hayden Cristensen), un músico de gafas oscuras, guitarra y armónica, inspirado claramente en el viejo folk singer de Minessota, sale mal parado de la película al ser reflejado como responsable del suicidio de la joven actriz. Además, por otra parte, Dylan siempre ha negado que existiera una relación entre ellos.

Otros célebres protagonistas de la época y del ambiente creado en The Factory fueron los integrantes del emblemático grupo The Velvet Underground. En el film también salen todos sus miembros (y con sus verdaderos nombres), con John Cale y Lou Reed a la cabeza, y a este respecto, este último ha declarado perlas como ésta sobre la peli: “Leí el guión y es una de las cosas más irritantes y estúpidas que he leído en mucho tiempo. No hay límite a cuán bajo pueden llegar algunas personas para escribir algo por dinero”.

Y la verdad es que Reed algo debe saber sobre lo que se cocía por allí en aquellos años. Además, es el autor, junto a la Velvet, de una canción dedicada a Edie Sedgwick, el clásico “Femme Fatale”.

Aquí os dejo el trailer:

"God grew tired of us"

Sigo en mi línea de presentaros películas de próximo estreno ante la falta de tiempo para hacer críticas algo decentes.

"God grew tired of us" es un documental dirigido por Christopher Quinn y Tommy Walker que ha cosechado 2 importantes premios en Sundance (en la modalidad de documentales), concretamente el Premio del gran jurado y el del público. Curiosamente en la producción ejecutiva interviene el ultimamente muy solidario Brad Pitt, lo cual puede contribuir a que el film tenga una mayor difusión.

Narrado por Nicole Kidman "God grew tired of us" cuenta la historia de 4 muchachos de Sudán que se embarcan en un viaje hacia América después de varios años vagando por el desierto africano huyendo de la guerra civil que se libraba en su país.

No he encontrado mucha información sobre esta peli, pero por lo que se puede ver en el trailer también se nos muestran las curiosas experiencias de los 4 jóvenes a su llegada a los Estados Unidos, un país diametralmente opuesto al suyo y en el que deberán rehacer sus vidas.

No sé cuando se estrena en España, supongo que a lo largo de este año ( en USA se estrenó el 12 de enero). En cualquier caso, parece que toca un tema muy interesante, que nunca saldría en las portadas de los periódicos.

Crítica a la cultura de la hamburguesa: "Fast food nation"

Ultimamente tengo el blog bastante abandonado, llevo unos días muy ocupada por culpa de algunos cambios importantes que se van a producir en mi vida. Me gustaría publicar más críticas pero como es lo que más tiempo me lleva y no estoy nada centrada pues me ha dado por buscar películas de próximo estreno que tengan una propuesta interesante o que al menos por su temática llamen mi atención.

Este es el caso de Fast food nation, película basada en el best seller de Eric Schlosser , que dirige Richard Linklater ("Escuela de Rock", "Antes del atardecer") y cuyo guión han escrito ambos. No se trata de un documental en la línea de Super size me, aunque sí tiene mucho de crítica a los entresijos de las empresas de "comida basura". Según la web oficial Fast food nation ha sido definida por el New York Times como "La película política más imprescindible de un director americano desde Farenheit 9/11"

En Fast food nation se entrecruzan varias historias: la investigación que inicia un ejecutivo de una cadena de hamburgueserías al aparecer carne contaminada, la explotación que sufren los inmigrantes indocumentados que trabajan para los mataderos que surten a estas empresas y las peripecias de unos adolescentes que trabajan en uno de estos establecimientos de comida rápida.

En cuanto a actores destacan Greg Kinnear (que interpreta a Don Henderson, el ejecutivo que investiga la contaminación de la carne), Wilmer Valderrama y Catalina Sandino Moreno (ambos interpretan a dos inmigrantes que trabajan en los mataderos), Ashley Johnson (da vida a Amber una adolescente idealista que trabaja de cajera en una hamburguesería), Patricia Arquette, Kris Kristofferson y más

Se estrena el documental "Goodbye, America"

El director, Sergio Oksman, posa delante de un cartel de su película

El actor norteamericano Al Lewis, más conocido como el "abuelo" de La familia munster, es el protagonista del documental que produce el español Elías Querejeta y que dirige el brasileño Sergio Oksman , "Goodbye, America".

En un primer momento, la intención de director y productor era rodar un documental sobre la emisora independiente y progresista estadounidense Pacífica Radio, fundada en 1949 en Berkeley (California) y en la que Al Lewis tenía un programa. Pero una vez que conocieron al actor, se produjo un cambio de dirección en la película, debido sobretodo a su fascinante personalidad , que en palabras del director se iría "apropiando de la película".

Durante el documental, mientras un maquillador va caracterizando, frente a un espejo, al actor como el abuelo Munster que lo hizo famoso, descubrimos a un hombre ya anciano pero con la mente muy lúcida que haciendo gala de una memoria prodigiosa, realiza un contundente repaso de la realidad norteamericana más reciente (desde la guerra del Vietnam, pasando por la Caza de brujas de McCarthy, hasta los atentados del 11-S) y de su propia vida, marcada por su activismo de izquierdas y su infancia en Brooklyn en el seno de una familia judía.

Al Lewis, murió en febrero del pasado año, de hecho como el documental se rodó en 2 períodos en 2002 y 2005, el último año el Grandpa ya se encontraba muy enfermo, y nunca llegó a visionar el documental (según el director, Al Lewis ni siquiera quiso ver el material que estaba rodado).

Parece haber pasado algo desapercibido el estreno de Goodbye, America (sobretodo por las pocas salas en las que según la web oficial se va a estrenar), sin embargo, estoy segura de que poco a poco irá sorprendiendo y hasta se llevará unos cuantos premios.

Yo esperaré a que lo estrenen en mi ciudad, y mientras tanto recuperaré la serie de la familia Munster , que tan buenos momentos me hizo pasar.

Os dejo por aquí el trailer y el enlace de un artículo bastante completo del periódico Noticias de Navarra sobre la película.

El buen alemán (The good german)

"The good German" se estrenó en la Berlinale de este año y no fue muy bien recibida por la crítica. Basada en la novela homónima de Joseph Kanon, Steven Soderbergh vuelve a dirigir a George Clooney (ésto empieza a ser cansino), esta vez en una película en blanco y negro ambientada en Alemania poco después de terminar la Segunda Guerra Mundial.

Acompañan a Clooney, Cate Blanchett (con la que se dice tuvo poca química en el film) y Tobey Maguire.

Como curiosidad decir que Soderbergh rodó con la misma tecnología cinematográfica que existía en los años 40.

Sinopsis: Recién llegado al Berlín de 1945, el corresponsal de guerra norteamericano, Jake Geismar (Clooney), se ve involucrado en un misterioso caso de asesinato, por una antigua amante, Lena Brandt (Blanchett).

Os dejo el trailer que tiene muy buena pinta

A lo que de verdad importa!!

Lo siento, pero no me he resistido a poner esta foto. Es que después de la resaca de los Oscar me entran ganas de critiqueo. ¿Que se ha echado o no, Philip Seymour Hoffman en sus rubios cabellos?

El año pasado lo veíamos mejor peinadito y con su pelito limpio y sedoso, claro que le daban el Oscar por Capote. Este año le deberían dar el Oscar al pelo más mugriento. Creo que Helen Mirren recordará más ese pelo que su premio, al fin y al cabo no fue ninguna sorpresa para ella que ayer le diesen la dorada estatuilla.

Otra curiosa imagen de uno de mis actores favoritos, Jack Nicholson "pelón", bueno y parece que ha modernizado un poco sus gafas de sol. ¿Nuevo look, exigencias del guión o que?

And the Oscar goes to...

Este año sí. Ya tocaba. El gesto y la mirada al cielo de Martin Scorsese cuando escuchó su nombre lo decía todo. En el escenario del Kodak Theatre le esperaban Steven Spielberg, Francis Ford Coppola y Georges Lucas, tres colegas y amigos que ya conocen lo que es ganar un oscar, cómo diciendo, ahora te toca a tí, para entregarle la estatuilla de mejor director. Trás múltiples nominaciones por películas del talento de Toro salvaje, Uno de los nuestros o La última tentación de Cristo, el director neoyorquino fue el protagonista de la noche de los Oscars 2007. Está claro que Martin se lo merecía.

Los ganadores fueron los siguientes:

Mejor Película:
Infiltrados, de Martin Scorsese (Warner Bros.)

Dirección: Martin Scorsese, por Infiltrados

Actor:
Forest Whitaker, por El último rey de Escocia

Actriz:
Helen Mirren, por The Queen

Actor de reparto:
Alan Arkin, por Pequeña Miss Sunshine

Actriz de reparto:
Jennifer Hudson, por Dreamgirls

Guión original:
Michael Arndt, por Pequeña Miss Sunshine

Guión adaptado:
William Monahan, por Infiltrados

Película de habla no inglesa:
La vida de los otros (Alemania)

Dirección artística:
El laberinto del fauno (Dirección artística: Eugenio Caballero, Decorados: Pilar Revuelta)

Dirección de fotografía
Guillermo Navarro, por El laberinto del fauno

Vestuario
Milena Canonero, por María Antonieta

Montaje
Thelma Schoonmaker, por Infiltrados

Banda sonora original
Gustavo Santaolalla, por Babel

Canción original
I Need to Wake Up, de Una verdad incómoda (Música y letra de Melissa Etheridge)

Efectos especiales
John Knoll, Hal Hickel, Charles Gibson & Allen Hall, por Piratas del Caribe: el cofre del hombre muerto

Maquillaje
David Marti & Montse Ribe, por El laberinto del fauno

Montaje de sonido
Alan Robert Murray, por Cartas desde Iwo Jima


Efectos sonoros
Michael Minkler, Bob Beemer & Willie Burton, por Dreamgirls

Documental
Una verdad incómoda (Paramount Classics and Participant Productions)

Documental cortometraje
The Blood of Yingzhou District, de Ruby Yang & Thomas Lennon

Película de animación
Happy Feet, rompiendo el hielo, de George Miller (Warner Bros.)

Cortometraje animado
The Danish Poet, de Torill Kove (National Film Board of Canada)

Cortometraje
West Bank Story, de Ari Sandel

Teaser trailer de "Donkey Xote"

Sé de un colaborador del blog (Vulcano) que curró todo el verano en esta película, perdiéndose sus vacaciones. Por los 53 segundos que dura el teaser trailer no parece que "Donkey Xote" tenga mucho que envidiar a otros films de animación 3d con un presupuesto 10 veces mayor. Además es una producción gallega y de vez en cuando hay que hacer patria.
Se estrenará en diciembre de este año.
Dirige Jose Pozo ("El Cid, la leyenda") y produce Julio Fernández, uséase Filmax.
En cuanto a la sinópsis, que extraigo de la web de Filmax:
El burro, Rucio, cuenta la "verdadera" historia de Don Quijote y defiende que no fue un loco, sino todo lo contrario: un hombre inteligente, apasionado y entusiasta. El extraño grupo compuesto por Don Quijote, su "escudero" Sancho, de hecho es su mejor amigo y el más rico del pueblo, el burro, Rucio, que quiere ser un caballo, y el verdadero caballo, Rocinante, que detesta salir de su tranquila cuadra, inician un viaje para batirse en duelo con "El Caballero de la Luna". Si Quijote lo vence, el Caballero le revelará la verdadera identidad de Dulcinea.

CARTAS DESDE IWO JIMA

Andrei Tarkovski, famoso director ruso, decía que hacer cine era “esculpir en el tiempo”. André Bazin, célebre crítico de la revista Cahiers du cinema, lo definía como la “momificación del cambio”. Como puede observarse, el factor temporal es intrínseco a las películas. El cine es tiempo. Para otros el tiempo es dinero, valioso, algo que no debe perderse. El tiempo debe ser un amigo.

Pues bien, Clint Eastwood se ha empeñado con sus dos nuevas películas en convertir el tiempo en su enemigo. Se ha enfrentado a él en un ring llamado Iwo Jima y ha luchado por estirarlo, pero Cronos le ha soltado un derechazo final y lo ha dejado KO sobre la arena del la playa. El director de Million Dollar Baby no ha logrado con Cartas desde Iwo Jima lo que muchos esperaban: salvar a Banderas de nuestros padres con historias que nos hiciesen ver que esta primera película estaba incompleta, que había algo más que no sabíamos porque sólo veíamos con los ojos de un bando, y que cuando viéramos también con los del “enemigo” descubriríamos esa grandeza que parecía poseer.

Pues no. Lo cierto es que se trata de dos películas diferentes que cometen el mismo error: la historia. Los pilares narrativos de este dúplex de estilo “eastwoodiano” parecen estar construidos con las mismas arenas de la playa donde los americanos desembarcan. Lo cierto es que un acaba harto de esa visión fatalista-contemplativa del cine de Eastwood (con clara influencia de la tragedia griega), y de que las historias hay que contarlas despacio y con buena letra (o fotografía y música, por cierto magníficas; una lástima); porque la vida fluye despacio y hay que darles tiempo a los personajes, de que la palabra esperanza no es más que la combinación de “espera” y “templanza”, pues nadie escapa al fatum.

En cuanto al tema de las cartas, éste se convierte en un leitmotiv barato al servicio de la trama y el final. Por esta razón, el guión se ve obligado a arrastrar consigo historias que no pueden desarrollarse del todo por la conclusión a la que están atadas. Por eso surgen dos reacciones posibles en los espectadores. Una: emoción víctima del sentimentalismo barato. O dos: decepción absoluta y la sempiterna pregunta de ¿a qué ha venido todo esto? Eso es lo que me pregunto yo: ¿qué quiere decirnos Eastwood? ¿Que la guerra es un infierno, que hace cambiar a los hombres, que el fanatismo es malo…? ¿No está ya todo muy visto?

Eastwood no hace una película, solo cuenta lo que otros han contado. Pero así no se logra el interés por una trama, debe haber conflictos, puntos de inflexión, evolución de los personajes... terminados. Todo esto brota y no se acaba de desarrollar. Como si se arrancaran las manzanas cuando todavía están verdes. En mi opinión, se ha vuelto a cometer el mismo error que en Banderas de nuestros padres: se pretende contar mucho en muy poco, lo cual da lugar a una película demasiado larga que se queda muy corta. Paradojas del cine de Eastwood.

La ciencia del sueño (La science des rêves)

A veces, en una resacosa tarde de domingo, necesitas una película diferente, que te refresque, que te rescate. No es ésta una película que vaya a gustar a todo el mundo, ni creo que lo pretenda. Si digo que es una película que a Patri y a mi nos encantaría, los que nos conocen sabrán un poco por dónde van los tiros. Diferente. Una pequeña locura. En la que los sueños ocupan la mayor parte del tiempo, haciéndola a ratos surrealista y muy divertida en otros. Estéticamente encantadora, mares de celofan, muñecos de trapo,... en ese mundo de fantasía mezcla de las vivencias del día, los deseos y las experiencias pasadas. No es la mejor película que haya visto en meses, pero ha sido un regalo para mi ánimo y me ha encantado.
Envidiable el hecho de que ciertas personas puedan trabajar compartiendo con los demás su imaginación...¿cómo puede haber gente con tanta imaginación? comentaba mi amiga a la salida de la película...pensando en ello, creo que sin más han permitido que se desarrolle esa parte que todos tenemos, sin bloquearla, permitiéndose explorarla y haciendo de ella su herramienta de trabajo. Envidiable.
Un video musical de 105 minutos. A ratos era como estar metida en el "Human Behaviour" de Björk. Y no sin razón, ya que la trayectoria de Michel Gondry, director y guionista, se compone en su mayor parte de videos musicales y anuncios televisivos, muchos de ellos premiados en diferentes festivales. Björk (Human Behaviour, Bachelorette,...), White Stripes (Fell in love with a girl), Massive Attack (Protection), Rolling Stones, Foo fighters o Radiohead son algunos de los grupos que han contado con su dirección. Así como la casa Levi´s, para la que ha dirigido varios premiados anuncios ("Drugstore" se llevó el León de Oro en Cannes, entre otros muchos premios que hacen que ostente el Record Guinnes al anuncio más premiado). Os invito a descubrirlo en el DVD "The work of director Michel Gondry", que forma parte de las Director´s Series, en las que se recopila el trabajo en videos musicales de diferentes directores: Chris Cunningham (brutal), Spike Jonze, Michel Gondry, Anton Corbijn, Mark Romanek, Jonathan Glazer y Stephane Sednaoui de momento. Algún día comentaré algo sobre videos musicales, que en muchos casos son pequeños cortometrajes llenos de calidad. Yo estoy en periodo de ilusionante descubrimiento de un mundo desconocido para mi hasta hace un tiempo y al que me acerco asombrada.

Diamante de sangre

No me he llevado una gran decepción porque ya había visto el trailer y no me había parecido gran cosa. "Diamante de Sangre" es una película de esas que llaman 'del montón', ni sobresale el guión (previsible en todo momento), ni las interpretaciones de sus protagonistas, Di Caprio o Hounsou.
Según he leído por alguna parte, lo más destacable en la interpretación de Di Caprio, y fundamental para que haya sido nominado a los Oscar, es que el actor imita a la perfección el acento sudafricano, al parecer eso debió pesar mucho para los miembros de la Academia, que no lo han nominado por "Infiltrados", en donde realiza una interpretación con infinitos matices y muchísimo más interesante.

En mi opinión, tanto la nominación de Leonardo Di Caprio como la de Djimon Hounsou está directamente relacionada con el total desconocimiento por parte de la sociedad "occidental" de la existencia de un brutal enfrentamiento por el control de las minas de diamantes. Digamos que los académicos sucumbieron ante la sacudida de conciencias que produjo el descubrimiento de esta injusticia, y que esta película aborda con bastante poca fortuna.

Quizás lo único que valga la pena de este film sea precisamente eso, que haya dado a conocer al gran público esta situación. Sería difícil conseguir llegar a tanta gente con un documental o un libro sobre el tema.

A pesar de ello, como producto de consumo de masas que es "Diamante de sangre", Edward Zwick comete el error de utilizar un terrible conflicto como vulgar excusa para filmar una película de acción. No profundiza apenas en las raíces del problema y eso no es justo para África, ya que pocas veces Hollywood fija sus ojos en este continente. Cuando termina la película sabemos que en África se mata por los diamantes, que los rebeldes secuestran y lavan el cerebro a los niños para convertirlos en soldados y que unos políticos se reunieron en Amberes para debatir sobre el conflicto. Pero de todo esto Zwick sólo nos enseña la superficie, es un simple aderezo como unas gotitas que vierte sobre la película para sentirse bien consigo mismo.

Abordando otras tragedias del continente africano, vi mejores intenciones, en películas como Hotel Rwanda (sobre la cruenta guerra étnica que sacudió ese país) o El Jardinero Fiel (que aborda el fraude de la industria farmacéutica en África).

FESTIVAL PUNTO DE VISTA

Hoy quiero hablaros de un festival que se celebra en Pamplona del 23 de febrero al 3 de marzo. Se trata de Festival Internacional de Cine Documental Punto de Vista. Este evento es uno de los más importantes de este género. Todos los años se presenta una selección de los últimos documentales más interesantes.

Punto de Vista también hace un hueco al cine experimental, y abre el camino a todo director joven que sienta predilección por el cine de no-ficción. Gracias a este tipo de festivales, el cine documental ha encontrado su hueco en las retinas de los espectadores, y en los últimos años ha experimentado un alza que aumentará con los años.

Punto de Vista también ha ido creciendo en importancia, y por esta razón este año trae un invitado de lujo: Alan Berliner, uno de los cineastas independientes más importantes del momento, y autor de obras tan sugerentes como The Sweetest Sound o Nobody´s Business. Además, este año se celebra el aniversario de la muerte de Andrei Tarkovsky, uno de los directores rusos más importantes de todos los tiempos. Por esta razón, el festival le hace un hueco en el espacio "Querido Andrei".

Yo ya he acudido otros años y tengo que deciros que merece la pena ir si tenéis la oportunidad. Se trata de un evento en el que puede descubrirse ese cine que algunos se han atrevido a denominar como "el otro". No os lo perdáis.

Trailer de Bosque de sombras (The Backwoods)

Como prometí en el blog de Marnie os dejo por aquí el trailer de Bosque de sombras (The Backwoods) , primera incursión en el largo de Koldo Serra, que se estrena este viernes, y desde este blog esperemos que funcione el bocaoreja, pues parece que coincide con otros importantes estrenos.

Si no me equivoco, hoy martes y 13 ha sido el preestreno, así que algunos afortunados/as ejem, ya habrán podido verla y supongo que de gratis.

La verdad es que el trailer tienen muy buena pinta, supongo que a muchos os recuerda a "Perros de paja" . Según leí en los comentarios que Koldo, con su seudónimo Dr Phibes realiza en el blog de Marnie: "hay mucho de Leone, mucho… y mucho de los westerns de Peckinpah".

Pues lo dicho, el viernes estreno de esta peli. Ya profundizaré y criticaré algo más (espero que para bien) cuando la vea.

"Avatar", lo próximo de James Cameron

"Avatar" es el más que probable título de la próxima película de James Cameron, que no se estrenará en cines hasta el verano de 2009, según afirma The Hollywood Reporter . Aún falta mucho tiempo, pero es que de este proyecto ya se lleva hablando unos añitos.

De lo poco que sabemos de la película es que James Cameron vuelve al género que lo hizo famoso y que le ha reportado sus mayores satisfacciones personales : la ciencia ficción

Diez años después del megataquillazo Titanic, Cameron tiene de nuevo entre manos un ambicioso proyecto.

"Avatar"o "Proyecto 880" como también se le denominó, estará basada en una idea original suya, y pretende revolucionar las técnicas empleadas en los efectos especiales, incluso el propio director aseguraba: 'Es un proyecto muy, muy grande, donde el rodaje durára un mes y medio' (esto me dice que no podemos esperar grandes interpretaciones).

La película se filmará en el formato 3D digital y también se utilizarán nuevas técnicas de animación creadas por Weta Digital, la empresa de efectos visuales del director de la trilogía de "El señor de los anillos" Peter Jackson.

En cuanto al argumento: Ambientada 200 años en el futuro, el protagonista es Jake, un exmarine lisiado, que es enviado por la fuerza al planeta Pandora, donde habitan los Na'vi, una raza humanoide con su propia lengua y cultura.

Por último hablaros del reparto: Jake Sully será interpretado por el desconocido actor australiano Sam Worthington y la actriz de origen dominicano Zoe Saldana dará vida a Neytiri una de las habitantes de Pandora. Además se rumorea, según el IMDb que podría participar Sigourney Weaver y ATENCIÓN!!! también figura en el reparto, espero que no sea un error : la actriz española Lola Herrera, que según la misma base de datos interpretará a un personaje llamado Veronica Walsh!!! [[¿Alguien sabe algo de esto? yo es la primera noticia que tengo, en todo caso me parece una actriz excelente]].

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En fin, a ver si "Avatar" consigue, por lo menos, no dejarnos indiferentes, ya sea para bien o para mal.

De Profundis

La animación gallega nos ofrece una nueva idea: De Profundis, dirigida por Miguelanxo Prado, reconocido por su labor como creador de cómics, por su trabajo con Spielberg en “Men in black” o su colaboración en creaciones como “Gracie’s girl” o “Trazos de tiza” (adquirida por Miramax films), además de ser el creador del “xabarín” más conocido por los gallegos (Xabarín Club en la TVG)

Miguelanxo Prado ha creado una forma de ver el medio marino como no nos lo habíamos planteado nunca. Y lo ha hecho a base de miles de imágenes que nos hablan a través de la música del compositor Nani García. La música es la carga narrativa de la película en una relación de igual a igual. Los diálogos son la propia música.
Gracias a la Orquesta Sinfónica de Galicia y al coro “Cantabile” nos transportamos al fondo del mar con una sirena y nadamos con las ballenas.
Ainhoa Arteta participa en el proyecto prestando su voz para una de las canciones de la banda sonora: “Soños de auga” .

Como podréis suponer esta película, nominada a los Goya de este año, no tiene mucha distribución y tendrá poco público. Os recomiendo que veáis el tráiler a través de este enlace, y si una sola imagen os emociona dadle una oportunidad.

Hablan de la posibilidad de crear una edición especial sólo para Internet ya que, según asegura el equipo de la película «De Profundis es un trabajo realizado a través de la tecnología e Internet está ayudando mucho a la promoción y difusión de la cinta». De momento no han podido dar más detalles pero adelantan que se trataría de una versión algo más corta.

De Profundis son 75 min de magia e imaginación: “Un viaje al fondo del mar, un sueño en imágenes, una historia de amor, un poema animado”.

El viaje del Emperador

Sorprendente, esa es la mejor palabra con la que puedo definir esta película, sobre la odisea de los pingüinos emperador (Aptenodytes forsteri) por la supervivencia de su especie.
"El viaje del Emperador" está dirigida por el francés Luc Jacquet, quien se pasó más de 14 meses en la Antártida, junto con su equipo, rodando las peripecias de estas peculiares aves, que luchan sin respiro por subsistir en un entorno demasiado hostil.
Al final del verano austral, sobre el mes de marzo, los pingüinos emperador comienzan su marcha hacia el lugar donde pretenden procrear. Recorren casi 100 kilómetros en fila india, y consiguen reunirse no se sabe como, cientos de ellos en el mismo lugar año tras año. Es gracioso ver como se desplazan, unas veces andan torpemente erguidos sobre sus dos patas, y otras, se dejan deslizar por el hielo con sus panzas.

En ese lugar de encuentro, tierra adentro, lejos del océano, los pingüinos buscarán una pareja con la que concebir. Luego, cuando llega el invierno austral, la hembra pone un huevo, que brindará con sus patitas al macho, en un ritual bellísimo, para que éste lo incube durante 2 meses, pues está tan debilitada que tendrá que ir en busca de alimento al océano, para ella y para la futura cría.

Los pingüinos son los particulares héroes de esta película, por un lado las madres, deben ir en busca de comida y no las tienen todas consigo, pues han de sobrevivir a feroces tormentas de nieve, y aún cuando llegan al vasto océano del que se nutren, tendrán que lidiar con otros animales marinos que las acechan. Es una lucha sin tregua. Lo mismo ocurre con los padres, que además de incubar los huevos, teniendo que proteger constantemente a sus crías del frío, irán en busca de comida una vez que las hembras regresen, ya que para entonces llevarán más de dos meses sin alimentarse.

Centrándome más en los aspectos técnicos de la película, lo más destacable, es la fotografía, maravillosa, hipnotiza. Nos regala paisajes de hielo asombrosos y estampas de los pingüinos en grupo o con su pareja y crías, apasionantes y enternecedoras. Hay escenas que no se me borran de la retina, la más conmovedora, sin duda, es el momento en que la hembra consigue pasar el huevo al macho, logrando así que el ciclo de la vida continue.
Otra escena sorprendente que se repite en varios momentos del documental es ver como los pingüinos se agrupan solidariamente para superar las gélidas temperaturas invernales (mas de 40 bajo cero), rotando continuamente unos con otros en círculo.
No quiero hablar de las voces de los narradores (Jose Coronado y Maribel Verdú), quizás lo más desafortunado de la película, porque no he visto la versión original así que no puedo opinar con fundamento. En cuanto a las piezas musicales, unas son más acertadas que otras, pero casi siempre acompañan muy bien a la escena que se nos muestra.

En definitiva, me alegro de haber descubierto 'El viaje del Emperador'. Puedo decir que he aprendido mucho de este increible animal, tan desconocido, al menos hasta ahora.

Cinema Paradiso

El otro día he vuelto a ver una de las películas que más me emociona y que mejor representa lo que significa el cine para todos los cinéfilos, Cinema Paradiso, de Giuseppe Tornatore.

Resumiré el argumento: Totó o Salvatore es un niño que vive con su madre y hermana en el pueblo de Giancaldo, una provincia diminuta en la Italia de la posguerra; su padre ha muerto en batalla en algún lugar de Rusia. Todas las tardes, Totó se lanza al Cinema Paradiso, la única sala del pueblo; allí forja una amistad con Alfredo, el proyector, quien le enseñará la magia del 7º arte y conocerá a sus legendarios personajes: Marlon Brando, John Wayne, Greta Garbo,Clark Gable y Charles Chaplin. Los años transcurren, Totó crece y con la adolescencia se enamora de Elena, con padres de la alta clase europea y que tratan de impedir la relación.
Contada de este modo, Cinema Paradiso podría parecer otra cinta más del género dramático, no obstante la actuación demoledora de Philippe Noiret como Alfredo, la exquisita música de Ennio y Andrea Morricone, las enseñanzas de un viejo que sueña ver triunfar a un niño, el amor incondicional y absoluto de Salvatore por Elena y las metáforas maravillosas con el mundo del cine que flotan en el mismo aire de la producción, hacen del producto una obra maestra.
Para los que la han visto y les ha sabido a poco, hay una versión en DVD con los minutos cortados a la película por Hollywood. Yo la prefiero en la versión de 1989, aquella en la que todo eran cabos sueltos, porque como le dijo Alfredo a Totó: “… La vida, Totó, no es como las películas, es más dura, más difícil”.

Cinema Paradiso

es una oda a las salas de antaño, centro de reunión del pueblo, y testigo del paso del tiempo. Es un retrato de la pasión por el cine, por qué ha llegado a considerarse el 7º arte. Sin embargo, también nos narra las desventuras del sueño irremediablemente imposible, la preferencia de la agonía callada al conformismo hablado. Cinema Paradiso es un alegato del cine, por el cine y no como producto comercial. Es una reflexión sobre la vida, el alma humana y todo lo que conforman sus esperanzas y recuerdos.

Esta película se convirtió en clásico mucho antes de ganar el Oscar, el Bafta o el globo de oro. Se convirtió en clásico porque refleja nuestra alma y sólo una película de estas características puede perdurar en el tiempo.

"Bobby"

"Bobby" es la última película del actor, director y guionista Emilio Estévez. En ella se recrea lo acontecido la noche del 5 de junio de 1968 en el “Hotel Ambassador”, donde fue asesinado el senador y candidato a la presidencia de los Estados Unidos, Robert F. Kennedy.

Bobby es un película coral, con un reparto impresionante, en el que figuran actores de la talla de Martin Sheen, Anthony Hopkins, William H. Macy, Laurence Fishburne,...aunque a decir verdad, por encima de todo el elenco destacan las interpretaciones femeninas, con unas excepconales y atractivas Sharon Stone y Demi Moore y una estupenda y sorprendente Lindsay Lohan. Estévez nos muestra un mosaico de personajes, con historias paralelas, que esa fatídica noche del 5 de junio se dan cita en el “Hotel Ambassador” donde se celebraba la victoria de Bobby en su carrera hacia la nominación demócrata tras ganar las primarias en California. El cineasta, de ancestros gallegos, presenta estas historias y personajes como una radiografia de la sociedad norteamericana de la época. Problemas de racismo, guerra del Vietnam, primeras experiencias con las drogas... aunque a mi modo de ver (quizás esté siendo un poco exigente) Estevez no consigue su objetivo. La mayor parte de los personajes y sus historias resultan aburridas y poco trabajadas, superficiales. Da la sensación de que no son más que una excusa para contar lo que realmente le interesa, que es lanzar un mensaje: recordar la tragedia que sufrió la América que luchaba en los años sesenta por los derechos civiles de los más desfavorecidos, primero con el asesinato de Martin Luther King, y luego con el de un hombre con grandes ideales y popularidad como Robert F. Kennedy. Por otro lado, el clima de homenaje que sacude todo el film es excesivo y cargante, con múltiples momentos en los que la figura del jóven Kennedy aparece como el “salvador” de todos los males para una sociedad convulsionada por los conflictos sociales e ilusionada por el cambio.

Yo creo que Emilio Estevez se ha equivocado al rodar una película sobre Bob Kennedy. Habría tenido más sentido hacer un documental. Este genero le hubiese permitido profundizar más en la figura y pensamientos del carismático político, y en una época muy interesante de la historia de los EEUU. Sobran las historias y los personajes que le sirven para recrear la noche del asesinato. Yo me quedo con la figura de Kennedy, tanto es así, que lo más destacable de la película son los discursos y entrevistas de Bobby, que muestran a un político preocupado por el conflicto racial, las desigualdades sociales, la guerra de Vietnan y la conservación del medio ambiente. Un discurso muy actual y progresista que es raro encontrar en los mandatarios norteamericanos de hoy en día. Mientras escuchaba en el cine las palabras Robert Kennedy me asaltaron varias dudas: ¿que habría pasado si no lo hubiesen matado?, ¿Habría salido elegido presidente de los EEUU?, ¿Habría cumplido sus promesas? Ya sé que nunca podremos responder a esto pero podría haber cambiado el curso de la Historia. Otra cosa positiva que le veo al film es que puede ser un buen modo de empezar a conocer a un personaje y una época algo remotas para jóvenes generaciones, pero muy interesante y trascendental para entender la situación actual del mundo. Ha pasado mucho tiempo pero en el fondo seguimos con los mismos problemas.

Bobby es un film político y con mensaje. No creo que pase a la historia como una gran película pero quizás sí tenga cierto valor hoy en día, y sirva para que los que están en el poder y los ciudadanos de a pie recuerden que existen otras formas de hacer política. Emilio Estevez ha querido hacer un homenaje a un gran hombre pero tambien lanzar una reflexión sobre la situación política que vive EEUU y el mundo en general. Buenas intenciones si, pero no sé si buen cine.